Edward Steichen (1879-1973), nació en Luxemburgo, pero siendo muy niño emigró con su familia a los Estados Unidos, aunque siempre mantuvo un vínculo muy estrecho con Europa, en particular con Francia, donde vivió durante muchos de sus años de aprendizaje como pintor y fotógrafo.
En Nueva York en 1905 se unió al fotógrafo norteamericano Alfred Stieglitz y abrieron la Gallery 291, sala en la que realizaron sus primeras exposiciones algunos de los pintores más representativos del siglo XX. Ese espacio ofreció a los norteamericanos un primer contacto con la obra de Picasso, Rodin, Cézanne y muchos otros artistas europeos.

Edward Steichen – Heavy Roses, 1914

Es una de las figuras más prolíficas, influyentes y controvertidas de la historia de la fotografía. Llegó a decirse de él que era «el mejor fotógrafo vivo», e incluso «el mejor fotógrafo de todos los tiempos». Y pese a que Steichen tuvo sus detractores, nadie podría negar su fama y talento: en inglés se acuñó una nueva forma verbal (Steichenized) para indicar que alguien había sido retratado por el maestro.

En 1923 Steichen regresó a Nueva York como fotógrafo jefe de las revistas Vanity Fair y Vogue, para las que retrató a muchos famosos de la época.

Edward Steichen – Marlene Deitrich, 1931

En 1938 se retiró a su granja de West Redding, Connecticut. Durante la II Guerra Mundial dirigió un equipo fotográfico de combate de la Marina de los Estados Unidos.

En 1947 Steichen fue nombrado director de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) y en 1955 preparó la exposición fotográfica The Family of Man, que posteriormente dio la vuelta al mundo, muestra que sigue siendo hoy, más de cincuenta años después de su creación, un hito dentro de las exposiciones del siglo XX. Abierta de forma permanente en Luxemburgo, se trata de la única exposición inscrita en la ista de Patrimonio Mundial de la Humanidad de la UNESCO.
Sus obras se pueden admirar en el Museo de Arte Moderno y en el Eastman House de Rochester, de Nueva York.

Buscó la interpretación emotiva e impresionista en sus temas y luchó para que la fotografía fuese reconocida como una manifestación formal de arte.

Edward Steichen – Torso, 1902

La carrera fotográfica de Steichen puede dividirse en tres etapas marcadamente diferenciadas: el periodo pictorialista (hasta la Primera Guerra Mundial), con sus desnudos, retratos y paisajes profundamente simbólicos y atmosféricos; el periodo moderno (entre guerras), caracterizado por una imaginería de la era industrial, de gran fuerza, claridad y precisión; y el periodo expositivo (tras la Segunda Guerra Mundial), durante el cual Steichen empleó todo su talento para la producción de monumentales exposiciones. Estos tres periodos se vieron interrumpidos por las dos guerras mundiales. Cada una de ellas supuso para el artista un «periodo de transición» que le permitió replantear su carrera y cambiar por completo de rumbo.

En los años veinte, Steichen renunció al ideal del «arte por el arte» que había caracterizado su obra más temprana y declaró que la fotografía debía aspirar a ser algo más que «papel tapiz de gran calidad» para coleccionistas ricos. Aplicando sus habilidades en el ámbito comercial, se convirtió en figura pionera de la fotografía publicitaria moderna, al tiempo que revolucionó la fotografía de moda desde su puesto de fotógrafo jefe de las revistas Vogue y Vanity Fair. También desarrolló otras aficiones al margen de la fotografía, como el diseño de pianos y tejidos de seda, o la práctica profesional de la floricultura.

El 14 de febrero de 2006 se subastó en Sotheby’s, Nueva York, una de sus ampliaciones, titulada «The Pond-Moonlight» de 1904, cuyo valor ascendió a 2,928 millones de dólares (2,46 millones de euros). Siendo hasta entonces el valor más alto ofrecido en subasta por una fotografía.

Edward Steichen – Lotus, 1915

Albert G. Richards (1917), profesor emérito de la Escuela de Odontología de la Universidad de Michigan, es un claro ejemplo de como hoy en día se puede ser tremendamente original fotografiando flores y plantas. Aunque su cátedra versaba sobre la dentadura, las flores conquistaron su imaginación y en 1960, el dentista usó por primera vez su equipo de rayos X para capturar la imagen de una de ellas.

La mirada de Richards no se posa en la belleza aparente externa, sino en la estructura subyacente de la forma, buscando relaciones entre forma y función.

«Las flores hablan por nosotros en gran medida. En ocasiones felices enviamos las flores para expresar nuestra alegría y en ocasiones tristes para expresar nuestro dolor. Pero puede que nunca veamos la belleza secreta oculta dentro de los flores. Incluso con nuestros ojos abiertos de par en par, vemos solamente esa porción de la flor que es la más cercana a nosotros, la misma porción que sería registrada por una cámara.»

La mirada del profesor Richards no se posa en la belleza aparente externa, sino que, con sus radiografías de flores quizá pretenda ir más allá, mostrándonos esa belleza interior, oculta para los ojos.

En estos últimos años, ha acumulado más de 4000 imágenes florales.

En 1990, publica el libro The Secret Garden – 100 Floral Radiographs (enlaza con la galería de fotos del libro).

El espectro de una rosa de Albert G. Richards

Karl Blossfeldt (1865-1932) fue el primer fotógrafo en plasmar la belleza del entorno natural siguiendo procesos científicos. Sus imágenes presentan una flora donde las plantas quedan reducidas a formas geométricas, a estructuras y matices de gris, que revelan detalles gráficos presentes en la naturaleza que hasta entonces no se habían tenido en cuenta.

Blossfeldt se consideraba más un fanático de las plantas que un fotógrafo. Empezó a fotografiar formas de plantas para Moritz Meurer en 1899 en Berlín, con una cámara construida por él mismo. Veía sus fotografías no como documentos para el estudio botánico sino como instrumento para artistas y amantes del arte. Sus fotos en blanco y negro, de foco nítido, parecían formas semi-abstractas para el espectador que no estuviera familiarizado con sus temas, a pesar de sus intenciones al realizarlas.

Hacía largas excursiones al campo para seleccionar sus especímenes, que solían ser tenaces malas hierbas más que flores cultivadas. Entonces las preparaba contra un fondo de cartón neutro de varias formas para evitar el temblor de la cámara, y tomaba un primer plano extremo con una cámara de placa hecha por él mismo, equipada con un fuelle muy largo. Los primeros planos de plantas de Karl Blossfeldt aparecen como formas desconcertantes; es sin duda alguna una visión extraña. ¿Cómo interpretarla? Se trata de una obra abierta a múltiples lecturas.

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Blossfeld es un referente del movimiento artístico denominado «Nueva Objetividad» nacido como fruto de una necesidad de renovación estética y ética que se dio en los años 20 en ambos lados del Atlántico. Se trata de una corriente que reniega del sentimentalismo y la subjetividad para indagar y catalogar cada detalle del mundo con precisión. El pictorialismo ha quedado atrás. En este contexto, la cámara se configura como el medio ideal para llevar a cabo esa función documental en la que la fotografía se pone al servicio de la ciencia.

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Blossfeldt fotografió miles de plantas, fotografías de flores, capullos, cápsulas de semillas, etc. tomadas directamente de frente, raramente desde arriba o a partir de una perspectiva en diagonal. Normalmente situaba los objetos de sus fotografías contra cartulinas blancas o grises, a veces contra un fondo negro. Es difícil que en sus fotos se puedan detectar detalles de las habitaciones en las que eran tomadas. Obtenía la luz con la que trabajaba de ventanas orientadas hacia el norte, gracias a lo cual se trataba de una luz difusa que al provenir de un lado creaba volumen. La técnica que utilizaba y las condiciones de procesado eran muy simples. Utilizaba un negativo de formato medio y produjo este tipo de fotografías durante más de treinta años.

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Toda su vida estuvo dedicada a la docencia, sin que, al parecer, sintiera ninguna necesidad de considerarse a sí mismo como artista. Veía sus fotografías como material de aprendizaje, no como obras de arte autónomas. El primer contacto de Blossfeldt con las artes aplicadas, ámbito en el que se desarrolló toda su carrera, tuvo lugar en un taller de fundición donde se hacían rejas y puertas adornadas con motivos vegetales. Durante su carrera, Blossfeldt continuó viajando, especialmente por el Mediterráneo, recolectando muestras de plantas extranjeras. Se retiró en 1931. Las primeras impresiones de sus originales se publicaron por primera vez en 1975.

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En 1898, Karl Blossfeldt se convierte en asistente de la Escuela de Artes Aplicadas y a partir de 1899 conferenciante con el tema modelar según las plantas. En 1921, fue nombrado profesor y a partir de 1924, se sitúa en las Vereinigten Staatsschulen für Freie und Angewandte Kunst (Escuelas Reunidas de Artes Libres y Aplicadas) de Berlín.

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Sólo al final de su vida, con 63 años, recibió el reconocimiento que merecía. El galerista Karl Nierendorf expuso por primera vez sus fotografías en 1925, junto a un grupo de esculturas africanas, y en 1928 se publicó Urformen der Kunst (Formas originales del arte), libro con más de un centenar de huecograbados que tuvo gran éxito. Después vendría El maravilloso Jardín de la naturaleza, en el año de su muerte, y póstumamente Prodigios de la naturaleza.

Su atención obsesiva al detalle botánico, la preferencia por las malas hierbas y la sorprendente constancia (se calculan más de 6.000 negativos) hacen de su obra algo excepcional.

Karl Blossfeld en 1895

Gustav Klimt (1867-1918) fue un pintor simbolista y uno de los miembros más destacados del movimiento modernista Art Nouveau. Su estilo rompió con el ideal académico y se caracterizó por el empleo de un intenso colorido, el uso frecuente de fondos dorados y la utilización de ornamentos florales en sus cuadros. Nació en Baumgarten, cerca de Viena, Austria. Fue educado en la Escuela de Artes y Oficios de Viena entre los años 1879 y 1883, donde aprendió a trabajar las técnicas de las artes decorativas. Fue el líder fundador de la Wiener Sezession (Secesión de Viena) y de su periódico «Ver Sacrum».

En 1909 visita París, interesándose especialmente por la obra de Toulouse-Lautrec y de los fauvistas, encabezados por Matisse. También le llaman la atención los trabajos de Van Gogh, Gauguin y Munch. A su regreso a Viena se produce un importante cambio en su pintura ya que finaliza la época dorada y empieza la etapa identificada como caleidoscópica, en la que el decorativismo y la diversidad de colores se adueñan de sus telas.

Klimt es un pintor verdaderamente personal y sus obras fácilmente reconocibles. Casi siempre vemos en sus cuadros bellas escenas de carácter sensual y erótico, donde las mujeres suelen ser las protagonistas, rodeadas de flores, dorados y tejidos de colores tratados con finura, elegancia y buen gusto. También pintó bellos paisajes con jardines y flores.

En junio de 2006 una de sus pinturas, el retrato de Adele Bloch-Bauer, se convirtió en la segunda pintura más cara de la historia en ese momento, al venderse por 135 millones de dólares.

Gustav Klimt – «El árbol de la vida», 1905

Gustav Klimt – «Jardin au crucifix», (1912-1913) – (ampliar imagen)

Gustav Klimt – «Girasol», 1906 – (ampliar imágen)

Gustav Klimt – «Bosque de Hayas», 1902 – (ampliar imagen)

Gustav Klimt – «Jardín en flor», 1906

Gustav Klimt – «Camino con pollos en el jardín «, 1916 – (ampliar imagen)

Hay flores por todas partes para aquellos que quieran verlas.
HENRI MATISSE

Yayoi Kusama nació en Matsumoto (Japón) en 1929. Las flores son un tema recurrente en la obra de la inclasificable artista japonesa. Kusama utiliza el tema de las flores tanto en sus pinturas y grabados como en esculturas e instalaciones, happenings y performances, siempre con un tratamiento absolutamente personal, propio de la genialidad de la artista. Desde muy chica experimentó alucinaciones y pensamientos obsesivos, e incluso una naturaleza suicida. Su estilo es definido por la propia Kusama como Obsessional Art.

En la actualidad vive, porque así lo ha elegido, en un sanatorio mental en Tokyo, donde sigue elaborando arte desde mediados de los 70’s cuando regresó de los EEUU donde había permanecido desde los años cincuenta. Su estudio se encuentra muy cerca del hospital. Nunca dejó de crear y trabajar. Su arte se basa en puntos y ésa es su conexión con el infinito. Actualmente está considerada como la artista viva más importante en Japón.

Yayoi Kusama dice en relación a su pintura Flor (1954): «Un día estaba mirando una flor roja en el mantel y vi los patrones que tenía, cuando miré al techo vi el mismo patrón y en las paredes, en mi cuerpo y en el universo. Me sentía girando en el infinito del tiempo y del espacio. Cuando me di cuenta, me asusté.»

Les Tulipes de Shangri-La de Yayoi Kusama – Gare Lille-Europe, Lille (59), France, es una escultura realizada para la exposición denominada «FLOWER POWER» en 2004, siendo Lille capital europea de la cultura ese año.

Flores de Yayoi Kusama (ampliar)

Esta la web oficial de Yayoi Kusama: www.yayoi-kusama.jp

Retrato de Yayoi Kusama

GIUSEPPE ARCIMBOLDO (1527-1593) pintor manierista italiano, es uno de los más originales pintores del Renacimiento, inventó un estilo de retrato en el que los rostros estaban compuestos por agrupaciones de flores, frutas, animales y toda clase de objetos. Algunos son retratos satíricos de personajes de la corte y otros son retratos alegóricos. Comenzó realizando diseños para ser reproducidos en los tapices y vidrieras de la catedral de Milán. En 1562 se trasladó a vivir a Praga y después a Viena, donde trabajó como pintor en la corte de los Habsburgo. La serie por la que es más conocido en la actualidad es por las Cuatro Estaciones, en la que, haciendo uso de los vegetales que brotan en cada estación, representa los hipotéticos rostros de las estaciones mediante los elementos típicos de cada una de ellas. Así, el rostro de la primavera está formado por flores, el verano tiene rostro de frutos y cuerpo de trigo, mientras que el otoño es un curioso compendio de hojas caídas, setas, y frutos. La serie concluye con el invierno, tal vez el retrato más complejo y menos descifrable de la serie, en el que se intermezclan elementos claramente secos y fríos, como la corteza que forma la cara, con otros más cálidos y vivos, como las hojas de la caballera y las dos frutas que cuelgan del cuello.

Sus obras fueron consideradas piezas curiosas populares y no adquirieron su justo valor artístico hasta que los surrealistas unos siglos más tarde, la redescubrieron.

Los críticos de arte debaten actualmente si estas pinturas eran caprichosas o el producto de una mente trastornada.

GIUSEPPE ARCIMBOLDO – Flora – 1591 (ampliar)

GIUSEPPE ARCIMBOLDO – Vertummus, un retrato de Rodolfo II (ampliar)

GIUSEPPE ARCIMBOLDO – (ampliar)

GIUSEPPE ARCIMBOLDO – Invierno (Winter) – (ampliar)

Séraphine Louis (1864-1942) representa un caso único en la historia de la pintura. Completamente autodidacta, Séraphine empezó a pintar a los 42 años de edad porque «escuchaba una voz que se lo pedía».

A quien un día dijera, a modo de resuelta revelación, que su más bella obra maestra era su propio jardín, Claude Monet (París, 1840 – Giverny, 1926) los jardines de su casa le sirvieron para inspirar muchos de sus mejores cuadros.

Durante 16 años Monet pintó los jardines en la hermosa serie de obras llamada “Nympheas”. Pintó una y otra vez las ninfeas o nenúfares del estanque en su casa de Giverny, donde pasó sus últimos años y donde casi ciego, pintó las plantas y flores de los jardines, el puente japonés, el estanque y diversos espacios de los jardines de Giverny.

Nympheas de Monet (ampliar imagen)

Como el mismo Monet reconoce, su interés por los nenúfares de su jardín llega a ser obsesivo. Sin duda Monet estaba muy orgulloso de su jardín. «Estos paisajes de agua y de reflejos me obsesionan. Todo esto está más allá de mis fuerzas de viejo, pero quiero representar lo que siento»

En 1998, su Bassin aux nymphéas et sentier au bord de l’eau se vendió en la prestigiosa galería londinense de Sotheby’s por 19´8 millones de libras, unos 33 millones de dólares. Nunca un estanque con nenúfares había dado tanto de sí.

Nympheas de Monet (ampliar imagen)

Estas obras del maestro impresionista pueden verse actualmente en el Museo de l´Orangerie.

A Monet, sin duda, le gustaba pintar al aire libre como a todos los pintores impresionistas, por lo que cultivó el gusto por el paisaje que a menudo aparece salpicado de fuertes colores debido a la presencia de floridos jardines. No solo en su serie nymphéas, sino en otras muchísimas obras realizadas a lo largo de su larga vida, podemos observar la presencia de flores y jardines.

Les Coquelicots a Agenteuil de Monet (ampliar imagen)

En la imagen inferior, podemos ver un cuadro de su amigo Renoir, otro pintor impresionista al que también le gustaban las flores y jardines, donde vemos a Claude Monet pintando el jardín de Agenteuil.

Monet pintando el jardín de Agenteuil, de RENOIR (ampliar imagen)

Inauguramos una nueva sección de flores y plantas en el arte, en la que nos gustaría recoger información y anécdotas sobre la presencia de las flores y las plantas en la Historia del arte.